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Temporäre Autonome Zone >< September – December 2012

• September – December: Temporary Autonomous Zone

ABOUT Temporäre Autonome Zone

The Temporäre Autonome Zone is an independent experimental exhibition platform produced by Lisa Ruyter with ff, a group of international women artists who meet regularly to collaborate on feminist projects. The Temporäre Autonome Zone, in practical terms, will have a festival format, comprising of performances, lectures, talks, workshops and film screenings. The nature of this project is collaborative, performative, pedagogic, necessary and non-commercial.

The Temporäre Autonome Zone is a frame for a living and evolving network of women artists. This network is formed around a constantly shifting discussion of contemporary feminist and participatory practices. Our views and approaches vary extremely. Some of us are focused on naming and identifying a specific methodology and some of us choose to develop a personal practice independent of such identification. Temporäre Autonome Zone is not the name of an exhibition, but a fluid, independent platform in which collaborative artistic production occurs in tandem with a search for a lived feminism. Production is not associated with commercial concerns, though our discussion may overlap with issues women artists have within a ‘marketplace.’

Artist Lisa Ruyter has invited ff to Vienna to develop this concept live, in collaboration with an extended network of Vienna-based artists, students, writers and curators. ff is a group of international artists who have been meeting weekly in Berlin for similar discussions. ff is Delia Gonzalez, Mathilde ter Heijne, Antje Majewski, Amy Patton, Katrin Plavcak, Jen Ray and Juliane Solmsdorf.

We will develop a variety of productions within the frames of an exhibition space, the city of Vienna, our limited resources, and a time period of about three months. The subject and content of the ‘exhibition’ is simply the productive results of a network of women artists. This network mediates our individual practices as well as our collaborative efforts. The highlight will be the chaotic and creative development of ideas from a living and breathing body of participants. Our research is not scientific, certainly many have made thorough studies of specific topics that we plan to approach. The point of our research is our need for discussion of an applied feminism allowing for diverse individual artistic practice by artists who happen to be women.

 

Wednesday, November 21 // Mathilde ter Heijne & Amy Patton // Abuse of Power Comes as No Surprise.

THIS BEGINS AT 17H

5 PM!!!!!!!

Reflecting on renewed claims to the revolutionary potential of participatory art and anti-hierarchical strategies in the art context (“Forget Fear,” the 2012 Berlin Biennale), artists Amy Patton and Mathilde ter Heijne will be leading a discussion on the legitimacy of art as an actual agent for social change.

With previous models showing ideas of collectivity, gift economies, the exchange of aesthetic and social experiences, encouraging dialogue and inhabiting spaces that are non-traditional for art, how

and why do participatory art forms claim to break down hierarchical structures, and could we say these strategies are successful? Is the abuse of power inevitable in any hierarchical situation, and if so, how could its “losers” embrace failure as a tactic? In what ways could failure offer new, more effective models of knowledge production, different aesthetic standards for ordering or disordering space, and other modes of aesthetic and political engagement?Amy Patton, artist and filmmaker, lives and works in Berlin. She completed studies at the Universität der Künste Berlin and The University of Texas at Austin. Recent solo exhibitions and projects include Bard Center for Curatorial Studies, New York (2009) and the Blaffer Art Museum, Houston (2010); other group shows and screenings have been held at Magazin 4, Bregenz, and Brandenburger Kunstverein, Potsdam (2010); Sculpture Center, New York (2009); Contemporary Image Collective (CIC), Cairo (2008); Museum Ludwig, Cologne (2007); PIEROGI Brooklyn / Leipzig (2006).Mathilde ter Heijne, visual artist, lived for many years in Berlin. She studied in Maastricht at the Stadsacademie and in Amsterdam at the Rijksacademie Beeldende Kunsten. Since April 2011 she is professor of visual art, performance and installation art at the University of Kassel.
She has participated in numerous national and international group and soloexhibitions including Migros Museum for Contemporary Art in Zurich, at the Goetz Collection in Munich, in the Berlinische Galerie in Berlin, the Künsthalle in Nuremberg, Lentos Museum of Modern Art in Linz (all solo shows), and Stedelijk Museum in Amsterdam, PS1 in New York, Hamburger Bahnhof in Berlin or at the Shanghai Biennale .

Saturday, November 10 // Nina Prader // Zine-Workshop

A zine is a radical piece of paper.
Suffragettes used printed flyers to spread the word about women’s lib.
DIY riot grrrls used paper booklets as a megaphone for creative manifestos.
Learn how to fashion your own zine and how this medium can playfully explore  artistic, creative freedom of speech and thought. The workshop will teach you some basic zine skills from glueing, cutting, printing to distribution.

-Nina

BARBARA KAPUSTA // Live Hypnosis Session // WEDNESDAY November 7, 19h – 21h.

In an open to public hypnosis session a group of women will narrate stories related to the topic of feminism and solidarity. The audience will be invited to participate. The state of trance is used as tool to create text and decipher images. This experiment is the attempt to imagine and suggest stories about women, collectivity and story telling.

 

Barbara Kapusta’s Website

MONDAY November 5, 19h – 21h // Feminism for Every Body with Johanna Kirsch & Katharina Lampert.

 

Johanna Kirsch und Katharina Lampert wagen an diesem Abend eine kleine Reise durch das WWW und zeigen, was sie auf ihrer Couch-Surf-Suche nach kurzen Artefakten zum Thema künstlerische, direkte, feministische Aktion bzw. Performance so alles angefunden haben.

Ausgehend von den Performance-Damen der ersten Stunde, führt ihre Reise in weitere Gefilde und bis ins Jetzt. Es wird an diesem Abend nicht analysiert, bewertet oder kritisiert, sondern mit viel Humor in der YouTube und Co.-Kiste gekramt.

Ganz im Sinne von “Feminism for Everybody”. Im Anschluss wird ein Cunttail serviert, bei dem das Gesehene informell und entspannt gemeinsam verarbeitet werden kann.

PERFORMANCE // Alice Cohen & Delia Gonzalez // Saturday November 3, 7pm

“Sacred Rite” is a performative dinner theatre created by artists Alice Cohen and Delia Gonzalez. Inspired by Isis and the Rite of Rebirth, this masquerade performance comes to life with a ritual honoring female deities. Like a mystery dinner theatre, the artists will deliver a prompt upon serving the meal and the guests (the spectators) will embark upon a journey through the secret dimensions of their  innermost minds. From celebrating the female as the caretaker, the one who feeds, to ritualizing her in her highest form, Cohen and Gonzalez’ performance invokes the tradition of mediumistic circles, metaphysical channeling, and trance-work to stimulate the ecstatic energies of spiritual communion between Self and Deity. This cosmic cabaret of the inner planes opens up a celebratory space where the nurturing, earthbound elements of the hearth co-create with the Divine feminine in a feast of transformation.

Delia Gonzalez

Alice Cohen


EXHIBITION OPENING // Abstraktion und Subtraktion // October 31, 19h – 21h.


Opening of exhibition with works selected by Esther Stocker and ƒƒ.

Participating artists include Astrid Bechtold, Svenja Deininger, Karine Fauchard, Delia Gonzalez, Mathilde ter Heijne, Suse Krawagna, Antje Majewski, Katherina Olschbaur, Doris Piwonka, Nina Prader, Katrin Plavcak, Lisa Ruyter, Esther Stocker, Juliane Solmsdorf, Rita Vitorelli, Christina Zurfluh.

ABSTRAKTION UND SUBTRAKTION ///

In der Ausstellung Abstraktion und Subtraktion sollen verschiedene gegenwärtige Positionen der abstrakten und konzeptuellen Malerei vereint werden.

Malerei wird dabei als unmittelbares Thema verhandelt, aber auch als Begriff, als Idee und als Verfahren.

Abstraktion und Subtraktion sind verwandte Begriffe: Das Wort Abstraktion kommt aus dem lateinischen abstrahere was soviel wie abziehen, entfernen oder trennen heisst. Ebenso versteht man unter Subtraktion den Prozess des Abziehens, zum Beispiel wird eine Zahl von der anderen abgezogen.

Das bedeutet dass beide Begriffe mit einem eindeutigen Verfahren der Reduzierung
in Verbindung zu bringen sind.  Der Begriff der Abstraktion hat in der Kunst schon viele Bedeutungen durchlaufen, oft steht er jedoch für eine Distanzierung oder auch Befreiung von Wirklichkeit oder unmittelbaren Bedeutungen.

Der Begriff der Subtraktion soll zu dem bereits kunsthistorisch aufgeladenen Begriff der Abstraktion eine Verstärkung bilden und steht ganz direkt für den simplen Akt der Befreiung: Was nicht gebraucht wird, wird subtrahiert, ganz einfach weggelassen.

Das nimmt einerseits Bezug auf ganz allgemein reduzierende Verfahren in der Kunst, andererseits kann es im Rahmen der Veranstaltungsreihe (von FF) auch feministisch verstanden werden.

In der Ausstellung sollen die formalen und kognitiven Möglichkeiten einer neuen zeitgemässen abstrakten und subtrahierenden Malerei gezeigt werden.

Was  für jede Künstlerin immer genau der Ausgangspunkt der Subtraktion/Abstraktion war, soll in der Ausstellung offen bleiben. Was auch immer die Motivation für eine Distanzierung, Reduzierung oder Trennung in der Bildsprache ist: das Zeichensystem für die Subtraktion wird in der Ausstellung sichtbar werden.

- Esther Stocker

SATURDAY October 27, 11h – 15h // Abstract Expressionist collaborative painting workshop with Antje Majewski.

We’ll make our own paint colors and create some abstract expressionist canvases together. Please bring whatever you think can turn into paint (pigments, berries, curry powder, earth…) or a brush (cloth, toothbrushs, strings, feathers…). Remember to wear washable clothes.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

WEDNESDAY October 24, 19h – 21h // Front Tier, Back Water. A Video evening with curator Christina Linden.

Image: still from Anne Walsh, Monster Lip Sync, 2005, Single channel, split screen video projection, transferred from super 8, 3 minutes TRT Silent. ////////////

Front Tier, Back Water

The five videos included in this screening – all work by artists who live and work in the San Francisco Bay Area - might be characterized by means of associative connections having to do with edges and frontiers. Moments of deviation are made possible by the rough and loose at the edges of rural decorum, childhood or cronehood, legal precedent, gender, identity and settlement.

Video works include:

Anne Walsh Monster Lip Sync, 2005, 3 min
Single channel, split screen video projection, transferred from super 8, Silent.

Cybele Lyle, The Last Resort, 2008, 10 min

Falling in Love… with Chris and Greg (Chris Vargas and Greg Youmans) Episode 2: “Road Trip! TV Special”, 2008, 23 min

Torreya Cummings, Frenchy vs. Lily Belle, 4:15 min

Anne Walsh Two Men Making Gun Sounds, 1996, 12:24 min. Shown as single channel projection, originally designed as two channel laser-disc installation with electronic sychronizer, to be shown on 23” monitors, each on a single pedestal.
curated by Christina Linden

Monday, October 22, 7pm // Amy Patton presents a selection of works and films.

Still from “The Mirror of Simple Souls Who Are Annihilated and Remain Only in Will and Desire of Love” (2011) ////////////////////

Amy Patton‘s videos deal with conventions of filmic storytelling, voiceover narration, character acting and pacing. Working in a range of media that includes film, performance, writing, installation and photography, her work explores how we make sense of objects, image and text with the imperfect understanding and irrationality of the way we think.

The talk will include a screening of  two of her films,  including “Oil” (2010) a filmed theater piece and a documentary on the making of the film itself. Taking Upton Sinclair’s Oil! as a point of departure, Patton plays with slippages between the novel’s characters and plot and the experiences of the actors and artist in making the film.

The second film, “The Mirror of the Simple Souls Who Are Annihilated and Remain Only in Will and Desire of Love” is another theater-film work based on an early 14th-century vision and manuscript by the French Christian mystic, anarchist and “Free Spirit” heretic Marguerite Porete. The film shows a cast of non-professional actors, friends and dancers occupying a theater space, being filmed whilst in pursuit of the ecstatic state.

Amy Patton, artist and filmmaker, lives and works in Berlin. She completed studies at the Universität der Künste Berlin and The University of Texas at Austin. Recent solo exhibitions and projects include Bard Center for Curatorial Studies, New York (2009) and the Blaffer Art Museum, Houston (2010); other group shows and screenings have been held at Magazin 4, Bregenz, and Brandenburger Kunstverein, Potsdam (2010); Sculpture Center, New York (2009); Contemporary Image Collective (CIC), Cairo (2008); Museum Ludwig, Cologne (2007); PIEROGI Brooklyn / Leipzig (2006).

WEDNESDAY October 17, 19h – 21h // Magda Tothova: An evening with Offred and Ellador.

An evening with Offred and Ellador ∆ hosted by Magda Tothova
supported by Mathilde ter Heijne and ELE

On October 17, Ellador of Herland and Offred of Gilead will be our guests for one night at the Temporäre Autonome Zone. Both women come from foreign countries and are very interested in meeting new people.
As their societies are very different from ours, we will have a very rare opportunity to ask them how their social and political systems are built up and how their everyday lives function. Ellador, for example, hails from an all-female society isolated somewhere in South America. Offred is a refugee from Gilead. Offred is not her real name, she was a handmaid with special skills. Both women would like to spend this evening with a friendly audience.

Join us at 7 p.m.
Galerie Lisa Ruyter
Kantgasse 3/20, 1010 Vienna

MONDAY October 15, 19h – 21h // Anja Manfredi, performativ analog

 

Der Körper als fotografische Langzeitbelichtung
Anja Manfredis Fotografie zwischen Bewegung und Einhalt von Astrid Peterle (Auszug)

(…) Manfredis Arbeiten der Serie Eine Geste wird belichtet (2011/12) gehen von zwei disziplinierenden Objekten aus. Die fotografische Posevorrichtung diente vor allem im 19. Jahrhundert dazu, Personen für die lange Dauer der Belichtungszeit ruhigzustellen. Im 16mm-Film Eine Geste wird belichtet, Teil 1 löst sich die Akteurin nach und nach tanzend von der Posevorrichtung. Nachdem Manfredi sich bereits einige Jahre zuvor mit historischen Tanznotationen beschäftigt hatte, entwickelte sie zu diesem Film eine eigene Form der Notation. Kader für Kader des analogen Materials wurde eingescannt und die einzelnen Fotografien schließlich als Grafik notiert – eine abstrakte Ordnung des Körpers in Raum und Zeit entstand,

der Einhalt und Bewegung fixiert und auch die Blickachsen der Akteurin festhält. Teil 2 der Serie widmet sich der Korsettschnürmaschine. Das Korsett galt über Jahrhunderte als Instrument eines Ideals von „Weiblichkeit“, das den Körper regulierte und dabei deformierte. Nachdem die Körper von Frauen zu Beginn des 20. Jahrhunderts vom Zwang des Korsetts befreit wurden, kehrte dieses als Fetisch zurück. Die Korsettschnürmaschine lässt die Frage offen, ob sie Instrument der Disziplinierung und/oder Instrument der Lust ist. Im Super-8-Film zu Eine Geste wird belichtet, Teil 2 entfernt sich die Akteurin ebenfalls vom Objekt. Auch hier nahm Manfredi das Filmmaterial als Basis für eine weiterführende Arbeit. Mit der Idee, Bewegung im fotografischen Bildraum zu visualisieren, warf die Künstlerin während der Belichtungszeit die Super-8-Film-Rollen auf das lichtempfindliche Fotopapier. Die so entstandenen Fotogramme vervielfachen die Schichten von Bewegung: Die spiralförmigen Lichtchoreografien enthalten in sich die Bewegungen der Filmakteurin, die an manchen Stellen durchleuchten. Zunächst erscheinen die Fotogramme in Kontrast zu den Notationen des 1. Teils als kontingente Fixierungen von Bewegung und Körpern. Bei näherer Betrachtung erweisen sich sowohl Notation als auch Fotogramm als Eingriff der Künstlerin in Raum und Zeit der Fotografie, der Bilder, der Bewegungen, als mehr oder weniger geordnete Zugriffe und Variationen auf den Körper als Ort der Disziplinierung und der Möglichkeit zugleich.

Eine Geste wird belichtet steht damit paradigmatisch für Manfredis künstlerische Praxis, in der ihr Medium, die Fotografie, und ihr zentrales Referenzobjekt, der Körpers, stets aufs Neue auf ihre historischen Konditionierungen und gegenwärtigen Handlungsspielräume befragt werden. Anja Manfredis Kunst erfasst so den „Körper als fotografische Langzeitbelichtung“: „Man könnte sagen, dass jeder Mensch, an jedem Tag und zu jeder Stunde belichtet wird, und das jedeR dafür verantwortlich ist, im Prozess für die Entwicklung, das Stoppbad und die Fixierung zu sorgen.“ (Manfredi 2012)

See also: http://www.anjamanfredi.com

WEDNESDAY October 10, 19h – 21h // Tanja Widmann presents: Part 1 of 3

INSTEAD OF AN IMAGE I SENT YOU A TEXT

 

Tanja Widmann will connect three different artspaces in a three-part presentation, the first one being October 10 in the Temporäre Autonome Zone. The other presentations will be on 19 October at School ( www.weloveschool.org ) and on 30 October at Saprophyt ( http://www.saprophyt.net/ )

 

Tanja Widmann presents
(1 von 3)

(1 of 3) ist der Auftakt zu einer kleinen Serie von Präsentationen. Dabei werde ich über die Logik der Serie auch 3 Kunsträume in Verbindung setzen, deren Protagonistinnen mich unabhängig voneinander und in sehr unterschiedlicher Weise eingeladen haben, etwas, meine künstlerische Arbeit, Bezugspunkte oder auch Überlegungen zu einer feministischen Praxis, zu zeigen.
In meinen künstlerischen Arbeiten, die ich als videobasierte Performances bezeichne, untersuche ich Prozesse zeitgenössischer Subjektproduktion über Aspekte von Sprache, Affekt und technologischen Mitteln. Davon ausgehend befasse ich mich im ersten Teil der Reihe (1 von 3) mit filmischen Arbeiten, die Affekte einsetzen und zugleich auch oft vorführen. In (2 von 3) liegt der Fokus auf dem Einsatz von Sprache an der Grenze von Sinn/Unsinn und ihrem Potential Mittel ohne Zweck zu sein. (3 von 3) wird Fragmente und Variationen meiner letzten Arbeit Eine von Euch (2012) präsentieren.

(1 von 3)
Allgemein gefasst wird Affekt als eine Fähigkeit des Körpers bezeichnet, zu affizieren oder affiziert zu werden. In meiner eigenen Arbeit befasse ich mich diesbezüglich mit affektiven Triggern wie Musik, Farbe und technologischen Effekten (das meint den Code einer Kameraeinstellung ebenso wie die nachträgliche Bearbeitung eines Bildes). Affekt zeigt sich dabei sowohl als etwas ungeregeltes, noch formloses, das die agierenden Körper in den Szenen ergreift, aktiviert und in Bewegung versetzt wie auch als das, was über technologische Mittel zum Einsatz kommt.
In diesem ersten Teil der Reihe möchte ich den Blick auf das Potential der Affekte jedoch noch etwas enger führen.
In den letzten Jahren wurde Affekt vielfach über die Perspektive des Postfordismus unter dem Begriff affektiver bzw. immaterieller Arbeit ins Auge gefasst. Affektive Arbeit ist jene Arbeit, der in den gegenwärtigen ökonomischen Produktionsformen der Dienstleistungs-, Kommunikations- und Informationsgesellschaften eine Vorrangstellung eingeräumt wird, insofern sie als Technologie und zugleich lebendiger Anteil jedwede Arbeitsform unterfüttert. Diese Arbeit ist immateriell, auch wenn sie körperlich und affektiv ist, insofern als ihre Produkte unkörperlich und nicht greifbar sind: ein Gefühl des Behagens, des Wohlergehens, der Befriedigung, der Erregung oder der Leidenschaft, auch der Sinn für Verbundenheit oder Gemeinschaft. (Michael Hardt)  Genau genommen handelt es sich hierbei um den strategischen Einsatz, das Produktivmachen positiver Affekte, die Schmiere in unseren Netzwerkökonomien. Dabei fallen aber alle jene Affekte scheinbar nicht ins Gewicht und aus dem Denken der zeitgenössischen Produktionsökonomien, die sich auf unangenehme Weise artikulieren oder erfahren werden – wie etwa Wut, Scham, Angst, Traurigkeit oder einfach auch jener Anteil des Affektes, der in Unförmigkeit die Form unterbricht.
Ausgehend von diesen Überlegungen zeige ich folgende Arbeiten:

Ulrike Müller, Mock Rock, 2004, 3 min
Daria Martin, Wintergarden, 2005, 13 min
Sophia Grace and Rosie at the De Generes Show, 2011, 2 Teile, ca 11 min
Enlightened, (HBO 2011, by and with Laura Dern), 29 min
Melanie Gilligan, Polpular Unrest. 2010, episode 1, ca. 30 min
Andrea Fraser, Standing Where She’s at, 2003, 30 min

 

(2 von 3)
school, 19.10.2012, 19h
Grüngasse 22, A-1050 Wien
http://www.weloveschool.org/

(3 von 3)
Saprophyt, 30.10.2012, 19h
Webgasse 29, A-1060 Wien
http://www.saprophyt.net

MONDAY October 8, 19h – 21h. // Screening of films by Antje Majewski & Juliane Solmsdorf.

Join us for a night of films by ƒƒ members and long-time collaborators Antje Majewski and Juliane Solmsdorf. /////

Bridge is a dance performance by Antje Majewski and Juliane Solmsdorf.

Erde Asphalt Wedding
Juliane Solmsdorf and Antje Majewski crawl on the asphalt of the streets around my studio in Berlin-Wedding. They come out of the canal and vanish behind a ramp at the local Jobcenter.

Procession
There is a procession, costumed and singing, bringing some colorful abstract paper gifts over the street from my studio to the canal, where they throw them into the water.

Nest
“At night I take a lamp outside my studio and light up my environment: bicycles, a huge wall, a car. I cross the street, dragging the cable that is plugged into the studio behind me. Now the light shows trees, branches. I color my face and hands with tempera paint and proceed to a sandy spot, where I lie down a birds nest, and into it some metall balls.” – Antje Majewski

SATURDAY October 6, 13h // Madeleine Bernstorff presents “The Fanaticism of the Suffragettes”

Madeleine Bernstorff presents “The Fanaticism of the Suffragettes” + Discussion (brunch and open house from 11h – 15h).  /////

(Madelein Bernstorff’s website)

 

The FANATICISM OF THE SUFFRAGETTES is a compilation video (and trailer for a film program)  inspired by an article*** from the German film magazine Lichtbildbühne from 1912. It is based on the observation that the women’s suffrage movement became radicalized at almost exactly the same time as cinema, still in the process of self-invention, began to consolidate itself and to shrug off nineteenth-century forms of expression. This historical conjunction is revealed in numerous newsreels and comedies. Our primary interest lay in the portrayal of rebellion, activism and an often high-spirited intervention against the ruling order at a time when cinema was itself experiencing a radical upheaval. We also wanted to show not only that the films made between 1900 and 1914 generally satirize the movement for emancipation, but also that the movement itself strategically deployed public images.

From 1903 on, the radical Women’s Social Political Union (WSPU) fought for political rights for women in Britain under the autocratic leadership of Emmeline Pankhurst. They organized demonstrations, campaigns and countless petitions. Around 1910, the WSPU’s approach took an increasingly radical turn. Their members generated publicity using militancy and violence; harsher repression ensued. Many comedies refer to the actions of the WSPU. The non-fiction films show a more orderly image, often consciously managed by the suffragettes: long marches in white garments with the insignia of Holloway Prison and well-placed placards bearing slogans like “Taxation without representation is tyranny”.  F.e. in 1918 one harassed husband still dreams of being Prime Minister and inflicting draconian punishment on suffragette activists to quash their militancy, yet in fact the outbreak of World War I saw most (bourgeois) suffragettes rushing to serve the national cause and setting aside their demand for the right to vote.

(idea and concept: Madeleine Bernstorff, editing: Angelika Levi/English version: Sebastian Bodirsky. Voices: Elsa de Seynes and Christabel Pankhurst, produced by support of: exhibition Bertha-von-Suttner-revisited, Niederoesterreich and Kuenstlerhaus Buechsenhausen, Innsbruck and many others) 17 min, 2009/2010

***
“The “Modern” Women’s Movement in England
The fanaticism of the suffragettes has again contrived a new battle method to attack the deeply hated male sex and above all the state government impeding their endevours. During all their future events and marches, the suffragettes are to be accompanied by female camera operators so as to immediately cinematographically record all police “assaults”. The films are then to be shown to women throughout the land so that other women in smaller towns can learn about the difficulties with which the women’s movement has to struggle. This new means of propaganda, to call a spade a spade, is meant to instigate women in the towns of the province, who have hitherto been spared by this ugly movement, and encourage them to greater “heroic deeds”. Of course, the English police will fight this new mischief and simply take the cinema apparatuses away from the suffragettes. That would be the only means, since private screenings of the films cannot be forbidden due to the lack of legal regulations. But the English police does have a powerful ally in the audience that will lend a helping hand if the suffragettes again go too far.”
(From the filmmagazine Lichtbild-Bühne – Berlin, Dec. 14, 1912)

MONDAY October 1, 19h – 21h // Film Night with Barbara Kapusta and Katharina Aigner.

Barbara Kapusta and Katharina Aigner will screen films by Berlin-based artist Jenni Tischer and Bernadette Anzengruber (Vienna) /////////

Bernadette Anzengruber
The order of event (ENACT : an deiner Zunge)
Video, Farbe, Ton, 28:00 min, 2012

The order of event entstand in der Auseinandersetzung mit der Figur Ludwig Wittgenstein. Die Videoarbeit nähert sich in einer Reihe von Versuchsanordnungen dem Denken, Schreiben, Sprechen und Schweigen Wittgensteins konkret anhand der von ihm 1929 in Cambridge abgehaltenen Lecture on Ethics an und wirft generelle Fragen nach dem Gelingen und Scheitern von Sprache auf.

An deiner Zunge”, Lecture-Performance im Rahmen von Philosophy on Stage am 25. November 2011 im Haus Wittgenstein, Wien
Performerinnen: Bernadette Anzengruber (Ms Tongue), Philipp Fleischmann (Mr. Lion), Salvatore Viviano (Mr. Miracle)

 

Jenni Tischer
Und jetzt weiter im Text
HDV, 16:9, Farbe, Ton, 13:21min, 2010Das Museum des 20. Jahrhunderts (20er Haus), welches ursprünglich als temporärer Pavillon für die Weltausstellung 1958 in Brüssel von dem Architekten Karl Schwanzer entworfen wurde, bildet den kontextuellen Ausgangspunkt meiner Arbeit. Im Schweizer Garten in Wien als Ausstellungsraum fest installiert wurde es zunächst vom MuMok bespielt, stand anschließend mehrere Jahre leer und ist nun seit 2010 in Teil des Belvederes.Die derzeitig stattfindenden Bauarbeiten umfassen sowohl die Sanierung des Gebäudebestands, als auch eine Erweiterung durch den Neubau eines Turms und dem hinzufügen eines zusätzlichen Untergeschosses. Durch die Dekonstruktion der Gebäudestruktur, dem Zerlegen des historischen Gebäudekörpers in Einzelteile, und dem Hinzufügen von neuen erweiternden Gebäudeteilen, befindet sich der Bauprozess in einer ständigen Bewegung zwischen Ab- und Aufbau.Durch die Beobachtung dieser für den Ort und die Konzeption des neuen Gebäudes spezifischen Bewegung, dem Aufnehmen vorhandener gewachsener Formen und dem Hinzufügen neu zu bestimmender einzelner Fragmente, lag für mich die Notwendigkeit begründet mit zwei Künstlerinnen, Katharina Aigner und Astrid Wagner, zusammen zu arbeiten, bzw. diese einzuladen. Die unterschiedlichen performativen Handlungen, die sich mit der Herstellung von Bühnenraum über Performance und der seriellen Produktion von Abgüssen auseinandersetzen, bespielen den Ort.Zwischen dem Szenarium fragmentierter Räumlichkeiten im Museum und einer schwarzen und einer weißen Studiosituation eröffne ich eine Kommentarebene. Der Topos des künstlerischen Arbeitsprozesses, der künstlerischen Handlung selbst, dient als Struktur, um imaginative, dokumentarische und fiktionale Bilder an den Schauplätzen miteinander in Verbindung zu bringen. Die Frage nach den Anfängen und den Übersetzungen von Text in Bild, von Konzept in Performance, von Material in Objekt stellt sich in den offen gebliebenen Prozessen. „Der Text, die Rede unter den Zeichen ist kein gehaltener, festgehaltener (…)“ (aus Foucault: Die Ordnung der Dinge), sondern ein ständig zu aktualisierender, an Identität und Entscheidung gebundener Subtext. (…)

 


What should we speak about and what can we speak about? Mathilde ter Heijne hosts a Round Table discussion with Veronika Dirnhofer, Nina Höchtl, Ursula Maria Probst, Lisa Ruyter, Bettina Steinbruegge. // MONDAY 24 September, 19.00 – 21.00.

One important agenda of Caroline Christov-Bakargiev’s documenta 13 (mentioned in the first lines in the accompanying guidebook) is described as ‘ecofeminism’. In her book Le Feminisme ou la Mort (1974), Françoise d’Eaubonne uses this term first and called upon people to lead an ecological revolution in order to save the planet. This entailed revolutionizing gender relations and human relations with the natural world. The microcosm of the home and the macrocosm of the world recognize two realities; the overwhelming presence of patriarchal societies and the subjugation of nature on a global scale. This suggests that the coining of the term was not meant to posit an inherent connection between women and nature but to suggest a disproportionate subjugation of both.

Although the eco feminist agenda can be felt in many decisions concerning the theoretical backgrounds, the presentation and the assignments given to artists in this documenta, there aren’t many works of outspoken (eco) feminist artists criticizing harsh conditions for females in patriarchal societies nowadays (think of sexual exploitation, human slavery, difficulty of double burden of job and motherhood, lower wages for female workers, low self esteem of young girls, etc.) Even the amount of female artists participating (around 30%) wasn’t really higher then in similar shows like this.

How do/can feminist cultural workers support each other globally, which issues should they address nowadays and which difficulties do they come across?

Galerie Lisa Ruyter

Kantgasse 3/20, 1010 Wien
+43 1 505 6100
Beethovenplatz@gmail.com
www.GalerieLisaRuyter.com

Official launch + opening party // FRIDAY 21 September, 16.00 – 19.00 h. // VIENNA

16.00 – 19.00

Launch of Feminist Archive featuring BUST, NOWISWERE and PETUNIA // FRIDAY 21 September, 16.00 – 19.00 h

Veronika Hauer (Nowiswere), Lili Reynaud-Dewar (Petunia) and Laurie Henzel (Bust magazine) will be presenting their magazines and talk about their understanding of feminist writing and the questions of archives, collective memories and the making of art histories.

This marks the inauguration of the ff Feminist Archive, which will gather our own personal libraries into one place to be used for the duration of this project. The emphasis is to be on a very contemporary feminist dialog, to include magazines, fanzines as well as theory and monographs. This archive will be available at all events and by appointment for the duration of the Temporäre Autonome Zone.
(TIP: also check out the ZINE FAIR)

Please bring us your books, catalogues, magazines, pictures, videos, music files that connect to female or feminist art, for temporary or permanent inclusion in this archive… and get a free artwork by Mathilde ter Heinje, Antje Majewski & Juliane Solmsdorf or Aleksandra Mir and others in exchange!

19.00 – 21.00

FLY OR FLOW

Exhibition of collaborative works by ff: Delia Gonzalez, Mathilde ter Heijne, Antje Majewski, Amy Patton, Jen Ray, Juliane Solmsdorf, additionally featuring collaborators Katrin Plavcak and Mathilde Rosier. Works included in this exhibition have evolved out of discussion and common interest within the extended network of ff during the last year in Berlin and Vienna.
This show will evolve with our program.

Including live photo sessions for the project Gentle Men
“Two female artists are looking for volunteers who are not afraid to have their testicles photographed. The photographs will be exhibited in an art gallery. Models will remain anonymous and will receive a copy of the photograph in exchange for their time.”

Galerie Lisa Ruyter
Kantgasse 3/20, 1010 Wien
+43 1 505 6100
Beethovenplatz@gmail.com
www.GalerieLisaRuyter.com